专访｜蒋文瀚：中提琴是完美伴侣，肩式大提琴带来松弛感

来源：淘生活问答时间：2026-06-01 15:15

对中提琴满怀热忱的蒋文瀚，不仅是英国皇家爱乐乐团联合首席，也是稀有乐器肩式大提琴的演奏者。他是如何闯出这条独特的“双弦”赛道？此次北京、上海、成都、深圳巡演前瞻采访中，这位优秀的90后音乐家如数家珍地聊起他对巴洛克至现代音乐的理解，坦言圈内人甚至更爱中提琴笑话，也无私分享了他考入乐团和职业发展的经验。

蒋文瀚

【对话】

中提琴绝对是完美伴侣！

澎湃新闻：你是如何与中提琴结缘的？

蒋文瀚：我从小学习小提琴，20岁时在国内遇到恩师：伦敦交响乐团首席西尔弗索恩先生（Paul Silverthorne）。他充满热情与灵感，两年后我彻底转学中提琴，并随他赴英皇深造。

中提琴更适合和吸引我。首先，小提琴的发展已非常成熟，像最广为传播的浪漫作品的音色与织体，大都已有固定期待甚至刻板印象。

相比之下，中提琴发展空间更大。20世纪最重要的三部协奏曲（巴托克、欣德米特和沃尔顿）几乎像为三种不同乐器而写。如今也是为中提琴创作的黄金时期，作曲家愿意为中提琴写作，而我们中提琴演奏者通常富有创造精神，愿意尝试新鲜事物。

澎湃新闻：怎么看小提琴改学中提琴的路径？

蒋文瀚：乐器像你忠实的伙伴，不要轻易以考学等功利目的去改变。从小提转中提之前，我特意拉了一些钟意的作品，以作为对于转行这件事的自我求证的过程：斯特拉文斯基《士兵的故事》、巴托克《对比》、马勒钢琴四重奏的华彩等，此后我才放心转了中提琴，尽管像梅西安《时间终结四重奏》暂时没机会拉。

我想说：乐器之间的生理区别远远没有音乐家之间的个体区别大，换乐器也不会把你变成一个更优秀的乐手或更有趣的人。最重要的是表达，是音乐性（musicality），是追求超越平凡的对话和连接。

蒋文瀚演奏片段(00:46)

澎湃新闻：圈内人会讲中提琴笑话吗？

蒋文瀚：甚至比圈外人更没底线。最近聊到一位中提琴同事和低音长号手在一起，大家都觉得很般配；但如果是两个第一小提琴手，或首席长笛配双簧管，总让人担心不好相处。

仔细想来，中提琴绝对是完美伴侣！中提琴和任何乐器都能和谐共处。它不仅是支持型的伙伴，也是灵感启迪者。中提琴演奏者擅长从更少的音符中提炼感悟，某种程度上更像音乐诗人。

澎湃新闻：此次巡演，用中提琴演奏巴赫的恰空有何不同？

蒋文瀚：恰空完全是圣经式的作品，难以想象一行谱表能产生如此宏大的音响效果。它虽为小提琴而写，但换成中提琴演奏，差异更多在“术”而不在“道”。中提琴发音更慢、把位更宽，技术上更难，但这不应该是影响表达的理由。我演奏古乐较多，因此会特别关注乐句、连线、运音（articulation）颗粒感、加花以及对手稿的还原度。

有假说认为恰空是巴赫为悼念第一任妻子而写，但业内更多还是将其视为一种浪漫化的想象。它最动人的地方在于：一把琴、一些空气震动，竟能唤起情绪上巨大的共鸣，或是对作品结构与复杂对位的惊叹。恰空究竟是具象的故事还是抽象的音乐？巴赫未予注解，我们也未必需要定义。

6月30日，“双弦纪”蒋文瀚中提琴与肩式大提琴无伴奏音乐会将在上海大剧院举行

澎湃新闻：多次参与乐团演奏《约翰受难曲》，是否加深了你对巴赫的理解？

蒋文瀚：对我而言，巴赫最伟大的作品是教会康塔塔。他将文字、音乐与信仰融合得近乎完美，宛如宏伟教堂般震撼人心。对于这样的作品，信徒会惊叹于神迹的降临。而对于我这样的无神论者来说，人类竟能借神之名，创作出如此不朽的形式，这可真是神迹的降临。

巴赫拥有计算机式的大脑，对精密的对位写作和乐器性能有极强的掌控力。他通过音乐去描绘信仰中的痛苦、考验、忠诚与勇气，这些极致的对比与拷问，正是巴洛克音乐的灵魂。

康塔塔中的写作方式也深刻影响了他的器乐作品。这为我们提供了一把解构巴赫的钥匙：演奏他的器乐作品时，对比共通的调性，音型或动机，推敲每一个音符的含义。如此演奏就不再只是技术执行，而是成为了一次宝贵的向大师灵魂的求教。

蒋文瀚

肩式大提琴是跨越了性别与人声界限的灵魂载体

澎湃新闻：为何用肩式大提琴（violoncello daspalla）演奏巴赫《第六无伴奏大提琴组曲》？

蒋文瀚：巴赫时代的大提琴与现代乐器差异很大：没有尾柱，需要夹腿演奏；没有拇指把位，高音表达有限；当时也仍处于维奥尔琴（viola da gamba）与各种尺寸和校弦的大提琴混用的时期。

巴赫的大提琴无伴奏组曲手稿已经遗失，但是尚存的四份最早的缮写版本中，有三份都标注了用五弦大提琴演奏，包括巴赫的第二任妻子安娜（Anna Magdlena）的誊抄版本也清楚地标记了第六组曲应该用五弦演奏！这些信息足以证明巴赫的原意是要使用一件拥有高音E弦的五弦乐器。

因为其音域过宽，许多段落在四弦大提琴上难以实现。如果借用18世纪才开始流行的拇指把位技术演奏的话，音是可以拉全了，却也导致这听起来像一个炫技作品而不是巴洛克舞曲。

我选择肩式大提琴，正是看中了它横向演奏带来的松弛感，以及多出来的那根E弦。当技术不再需要生搬硬套时，音乐才能卸下沉重的技巧外壳。这种本真的形制，反而能以一种更质朴，更直通人心的方式，去传达巴赫作品的内核。

澎湃新闻：请你介绍下肩式大提琴和其他历史乐器的特点？

蒋文瀚：随着库伊肯（Kuijken）和巴迪亚罗夫（Badiarov）等古乐先驱发起复兴运动，肩式大提琴才重新回到当代视野。我通过一对意大利制琴师（Gaidano&Visintini）接触到肩式大提琴，他们是巴迪亚罗夫的学生，同时也是羊肠弦专家。肩式大提琴的音色极具戏剧性：在高音区轻盈，纯净，像男高音或假声男高的音色；但在C弦和G弦的低音区，又非常难以操控。

巴赫擅长用冷门乐器表达特定场景。例如刚才提到的维奥尔琴，在《约翰受难曲》中演奏咏叹调“此事已成”（Es ist vollbracht）。维奥尔琴音量较小，却自带一种矜持、内敛的贵族气质。巴赫借这种正在消逝的乐器所散发出的落寞与神圣，去完美对应受难时那种超脱而苍凉的意境。

另一个有趣的公案是“小型大提琴”（violoncello piccolo），巴赫在九首康塔塔里为它写下了炫技型的独奏片断。我们无法确定它到底是怎样的乐器：violoncello本身已经意味着“小的维奥尔琴”(small violone)，为什么还要用“小型”（piccolo）来修饰它？它有多小？是挂在胸前还是夹在双腿演奏？

但是我们可以确定的是，巴赫在莱比锡时期遇到了制琴师J. C. 霍夫曼，后者为他制作了这种挂在肩上演奏的乐器。而恰恰是从搬到莱比锡的第二年起，巴赫才开始密集地为“小型大提琴”写作。我认为有理由相信，在巴赫康塔塔中担任大量炫技角色的“小型大提琴”就是我们现在所说的肩式大提琴。

这件乐器最迷人的地方在于它横跨近四个八度的宽广音域。在巴赫的那九首康塔塔里，肩式大提琴的戏份往往表现出某种超人性或大天使般的神圣色彩。如同我的古乐导师沃特金（David Watkin）曾对我说的那样：五弦的肩式大提琴涵盖了从男低音到假声男高音的完整音域，它不只是一件器乐，更是一个跨越了性别与人声界限的、灵魂的载体。

把布里顿的无伴奏大提琴组曲带回中国，是完成了我的人生闭环

蒋文瀚在英国皇家爱乐乐团中演奏

澎湃新闻：你获得过英国“布里顿-皮尔斯青年艺术家”的殊荣，是否也是此次选择布里顿作品的原因之一？

蒋文瀚：是的，这其中既有曲目逻辑的考量，也承载着我个人的命运际遇。

首先，布里顿《无伴奏大提琴组曲第三号》中的“帕萨卡利亚”舞曲很好地呼应了本场巴洛克音乐的线索。此曲题献给大提琴家罗斯特罗波维奇，曲末引用了四首俄罗斯旋律，并以东正教安魂祷歌收尾。作品呈现出超脱与永恒安宁的意境，低音营造出无法呼吸的浓密声场。在当时的冷战背景下无疑是一份跨越铁幕的最好礼物！要知道布里顿是纯粹的反战主义者，而这部作品字里行间都涵盖着他对战争、死亡的反思与哀悼。

此外，布里顿的音乐跟我的个人发展有不解的缘分。当时是我在英国求学的第一年，作为布里顿-皮尔斯青年艺术家中的一员，我们前往他家乡的海边小镇参加他创办的奥尔德堡音乐节。那段经历极为难忘：夜里我独自走到沙滩，月光映照在海面上，像太阳一样明亮。海风凛冽，海浪在沙滩上冲刷出层层叠叠的清冷纹路。作为异乡者，我突然对他的歌剧《彼得·格莱姆斯》有了更深的理解：那片海带来的孤独与疏离，与剧里那个被排挤、被误解的局外人命运重叠在了一起。

布里顿和巴赫一样，拥有将情感与具体场景、音乐与文本紧密融合的旷世天赋。人生有时候确实像一个环。七年过去，当年的异乡如今已如故乡般熟悉。下个月，我将与布里顿小交响乐团（Britten Sinfonia）合作，再次回到他亲手创立的奥尔德堡音乐节舞台上演出。恰逢布里顿逝世50周年，全世界都在上演他的作品。把他的无伴奏大提琴组曲带回中国，也算是完成了我的人生闭环吧。

澎湃新闻：你还将演奏先锋派作曲家利盖蒂《无伴奏中提琴奏鸣曲》，“环”和“哀歌”有何含义？

蒋文瀚：这是利盖蒂晚年最杰出的里程碑作品之一。这部作品的六个乐章极限地探索了中提琴的各种演奏边界，甚至听上去像是为六种完全不同的乐器所写。

技术上，作曲家规定“环”的双音必须用到一根空弦，这种设定几乎剥夺了常规指法的全部自由度，带来了无比的技术难度。“环”的和声材料基于某种中世纪牧歌式的循环。从某种程度上，它甚至可以被理解为是一个在时值、速度和音色上展开变奏的恰空舞曲。这种循环与层层加速，带有极其强烈的东欧民间舞蹈色彩：人们围绕着火堆跳舞，舞步从最初的缓慢一步步被推向最后的急速与癫狂。仔细想想，这群围绕火堆跳舞的人，本身不也构成了一个“环”吗？这种复杂节奏里的重音、渐慢、突强与突弱，需要演奏者对每一个音符的颗粒度进行精密把控。

“哀歌”其实是一个不对称的巴洛克卢尔舞曲（loure）。它以某种对立的二元论展开：一端是凶猛野蛮、带着强烈撞击感的和弦，另一端则是如同微风般虚无缥缈的低声哀叹。在乐曲的某个时刻，带有沉思性质的双泛音技法代替了愤怒的宣泄。而乐曲最终以典型利盖蒂式“遥远的、模糊的”氛围（lontano）走向终结，像他形容他童年的梦境一样：一种时间的流逝，一种无法解释的悲伤。

澎湃新闻：你拍摄过库尔塔格“哀诉之歌”的视频，网友们似乎很赞赏“鬼叫”这一解读。

蒋文瀚：确实！“哀诉之歌”（Panaszos nóta）这个标题让我想起了屈原《九歌》里“风飒飒兮木萧萧”的山鬼，如果作曲家库尔塔格的家乡，匈牙利或罗马尼亚的深山密林间也住着山鬼，他们的忧郁与哀叹大概也是这样吧！这种贯穿古今的孤独与悲伤，在完全不同的地缘文化里，竟诞生了如此互通且美丽的灵性世界。

从某种意义上说，库尔塔格是更序列主义的利盖蒂，他的音乐语言完全是“惜字如金”的，通过大量的留白无限放大某一个特定音符或强弱标记的意义。他的某些作品听起来会一惊一乍，因为关键音的情感密度非常集中，而且每一个音都有特定的含义。它有时是极轻或极响的极端概念，有时又在大自然中有着清晰的对应：它可以是林间的风声，夜半的虫鸣，甚至可以就是“虚无”本身。

科帕钦斯卡娅特立独行，陈锐善于“塑造音乐素材”

蒋文瀚（左一）在琉森音乐节

澎湃新闻：你曾参与著名的琉森音乐节，可否谈谈与科帕钦斯卡娅的合作？

蒋文瀚：她是一位特立独行、颇具争议的小提琴家。当时为了在琉森音乐节推广当代作品，我们以一种高度戏剧化的方式，策划并演出了利盖蒂的小提琴协奏曲。

利盖蒂在这部作品的独奏华彩段落里，写下了一行极其硬核的指示：“可以由独奏者自行创作，整个乐段应始终保持狂乱、激动的状态”。科帕钦斯卡娅在展现完一系列癫狂的，甚至是令人毛骨悚然的复杂技法之后，选择以大叫来表达汹涌的情感，并设计乐团成员互相吼叫。她近期的一次演出甚至延伸至观众，以集体呼喊的方式呈现音乐中极具创伤性的表达。

利盖蒂在这部作品里的怪诞想法无处不在。在二乐章某处，利盖蒂还要求木管首席“用最大力气”吹木质陶笛（Ocarina）。关于这一点还有一则趣事。我的中提琴老师曾在伦敦交响乐团演出该作品，由现代音乐泰斗布列兹指挥。排练中，布列兹要求木管别管音准，尝试一次用最大的力气吹，但是木质陶笛是一种很不稳定的乐器，气流稍微一猛，音准就会完全崩塌。乐手果然照做了，结果就是耳朵太过灵敏的布列兹竟因此大笑不止，甚至笑到眼泪狂流、完全停不下来。

澎湃新闻：你多次与陈锐合作，他为何如此红出圈？

蒋文瀚：我最大的感受是：陈锐的观众比任何观众都更投入。今年1月美国巡演时，台下几乎像被施了魔法。他刚拉完协奏曲的华彩段落，全场就瞬间爆发出雷鸣般的掌声，甚至有人忍不住直接起立欢呼——在古典乐的现场，你很少能见到一位音乐家可以让观众如此狂热和着迷。

这种“出圈”，绝不仅仅是因为他在社交媒体上受欢迎这么简单。我们要知道，互联网的逻辑和音乐厅的逻辑是完全不同的：观众愿意在手机上看完一个30秒的短视频，并不意味着他们同样愿意买票坐在音乐厅里、专注地听完一部30分钟的硬核协奏曲。但他确实做到了让这两者成功跨界。

除了强大的粉丝基础，更核心的原因在于他极其善于“塑造音乐素材”的演奏方式——他的处理非常契合这个时代与市场的审美催化。同时，最让我动容的是在台下与我们这群乐团伙伴交流时，他身上没有任何“大博主”的傲慢，反而充满了古典音乐家最纯粹的谦卑与尊重。

请多去感受生活，因为生活最终会反哺你的音乐

蒋文瀚

澎湃新闻：你在小红书“文瀚拉中提”分享过考入国内外乐团的干货，考团有哪些关键？

蒋文瀚：除开技术层面的问题，我们必须意识到乐团片段并不比协奏曲独奏更简单。恰恰相反，在短短几十秒的乐团片段里，作曲家要求的信息密度和控制力往往是极限的。练习片段需要投入高强度的理性思考——作为乐团的一员，你必须在没有前后文、没有庞大交响乐声场支撑的情况下，利用最精简的音符，去精准表达极其复杂、微妙的声响织体。这要求你对交响乐总谱有着侦探般的敏锐度。

同时我认为面试中要合理地表现出你的音乐个性，而不仅是技术完美的机器人。面试官坐在幕布后不仅在听音准和节奏，更在评估一种可能性：这个人的声音，未来在舞台上能不能和我们产生有机的化学反应？只有当乐池里的每一个独立灵魂都能用声音去触动另一个人时，整个乐团才能成为一个庞大、有机且富有人情味的声音共同体。

澎湃新闻：你从非音专院校“逆袭”成为大团首席，能给年轻学生一些建议吗？

蒋文瀚：这是一个习惯贴标签的时代：中提琴笑话、逆袭、中国首席等等。但当我真正进入领域后会发现，那些最珍贵的、真正触动灵魂的东西，从来无法被任何标签所概括，它只能靠肉身去感受。

对于年轻学生，我一直认为，从事音乐，其实只是你接下来漫长人生中，无数选择里微不足道的一个。在成为一个优秀的音乐家之前，更重要的，是先成为一个健全、完整、富有同理心与人性的人。

如果一定要说有什么建议，那就是：请多去感受生活，因为生活最终会反哺你的音乐。古典音乐的技巧可以练到极致。但是比起把某首作品打磨到多么天衣无缝，更重要的也许是未来某天你看到夕阳给柳树镶上金边，或者看到月光把海面照得如同白昼时，你耳畔隐隐浮现的那条旋律以及内心深处产生的那种悸动或悲悯。这些在琴房之外捕捉到的瞬间，不仅是音乐中源源不断的养分，更是我们在这个短暂、脆弱又宝贵的人生中，最值得去追求的终极体验。